Black Swan

Quand un film est à l'origine d'un tel bouleversement chez vous, il est impossible de traduire par des mots l'émotion ressentie devant le son et l'image. C'est frustrant car on aimerait convaincre la Terre entière de s'y précipiter, mais c'est tellement enivrant que le cinéma puisse ainsi s'élever au dessus de toutes descriptions. Car le dernier film d'Aronofsky est une réelle prouesse cinématographique dont il est difficile de prendre la pleine mesure sans se faire sa propre opinion dans la salle obscure. Surtout quand le contexte se prête autant à un tel moment d'interaction entre l'écran et le public, et là je parle de ma propre expérience; où quand des gens hurlent, d'autres se précipitent vers la sortie, ne supportant plus l'épreuve, pourtant si rare qu'offre ce film incroyable.

  Il propose au delà de son sujet qu'est la danse, archétype de l'art nécessitant abnégation, de voir jusqu'où l'on peut s'éprendre de sa tâche pour finalement se confondre avec, comme dans toutes ces histoire d'artistes maudits qui finissent par n'être plus que ce qu'ils aspirent à créer. La passion qui devient obsession. De la sorte la caméra d'Aronofsky devient l'instrument d'exploration de cette parade mystique aussi belle que terrifiante, puisqu'en assumant totalement ce cinéma à la première personne, le film n'en sera que plus intense. Ce corps en souffrance est le notre, et c'est en toute subjectivité, à fleur de peau que l'emballement du film nous embarque dans ce tourbillon psychotique, nous interdisant tout recul réflexif, tout échappatoire à cette euphorie cauchemardesque. Aronofsky nous propose en fait de nous dominer totalement pendant 1 heure 43 et à travers Nina de nous confronter aux angoisses semées par l'inconscient qui travaille quand le quotidien est bouleversé, et c'est ce qui arrive à Nina qui doit incarner la reine des cygnes. Aronofsky décide de ne pas insérer le moindre suspense quant à l'acquisition du rôle, le but n'étant pas là mais dans le travail que permettait un tel ballet.

  Le Lac des Cygnes en plus de gratiner le film d'une des plus belles musiques jamais composée, permettait de prendre à bras le corps et pour le coup sans ambiguïté aucune, la dualité qui anime chacun, ceci au moyen d'une opposition claire que représentait disais-je donc parfaitement les deux cygnes du ballet. En effet rien de plus manichéen que le noir face au blanc, la vie face à la mort, le rêve face au cauchemar, le film d'ailleurs ne s'en cache jamais comme l'annonce la première scène où l'ange de grâce résiste à l'appel obscur du démon. Mais l'intérêt de Black Swan réside dans le fait que cette opposition bataille dans une seule et même personne, Nina et donc nous-mêmes. L'oxymore devient donc schizophrénique et sans perdre jamais le fil - on sait toujours discerner le vrai du faux - on voit se dessiner un développement freudien non masqué, où les pulsions de vie ( progression de l'animalité sexuelle ) comme de mort (  rapport très organique au corps et sa fragilité ) finissent par se confondre ( une sexualité banalisée par Leroy ou le dirty old man qui devient une perversion et non plus un acte de vie ) puis se heurter aux interdits que représente très clairement la mère possessive. Cette dernière joue un rôle majeur dans le film car elle est le point d'encrage de Nina, la jeune fille s'en rapproche puis s'en éloigne, subie son emprise avant de s'en débarrasser férocement. Au moyen de la relation mère/fille on voit évoluer le personnage réel de Nina que nous n'entrevoyons sinon que d'elle même, et donc d'une manière volontairement plus floue et ambigüe puisque la danseuse se cherche et se perd. Cette névrose qui empêche Nina de devenir ce que Thomas Leroy veut qu'elle soit se décompose puis se détruit en même temps que la jeune fille devient femme, et donc s'émancipe du cocon maternel. Le cygne blanc si pur laisse sa place au cygne noir; avec littéralement une métamorphose qui aurait pu tomber dans le grotesque si elle n'avait pas donnée lieu à un telle démonstration sensible et une assise bien pensée de la mutation psychologique qui l'accompagne. On peut alors expliquer cette fragilité de Nina qui se ressent grâce à Nathalie Portman dans son meilleur rôle, bouleversante, par l'absence chez la fille du repère masculin, d'un père. Et sa mutation trop rapide puisqu'elle est dépassée par ce qu'il lui arrive tout en en étant la cause, vient du fait que son repère masculin, son incarnation de la figure paternelle vient de Thomas Leroy, or le fait qu'il l'embrasse, l'incite à la masturbation etc. brouille complètement les repères de Nina qui ne voyait en lui qu'un professeur bienveillant, dont elle à du mal à se détacher et à le statuer comme un amant.

  Car c'est là que le film prend sens et qu'Aronofsky nous montre son génie ! Il arrive à rendre cohérent un imbroglio psychologique où tout est maitrisé, les incidences sur la vie de Nina qu'impliquent les déboires psychotiques qu'elle connait, sa métamorphose, son émancipation... Et de ça, il a le culot de tout outre en l'air en montrant que l'art surpasse toutes ces turpitudes de l'esprit  ! Il utilise toute la puissance musicale de Tchaikovsky pour élever l'artiste au dessus de la femme, et rendre dans une dernière danse l'éternité d'une œuvre à son artiste, là où la femme elle est morte bien avant. En se dépassant artistiquement, Nina laisse le cygne noir prendre son envol et écraser littéralement cette jeune fille fluette qu'elle n'est plus. Toute cette ambiance glauque, ce chemin de croix qu'effectue Nina, toute cette mystique d'une mort douloureuse promise dès le départ, ne sera que la mort de la femme, mais l'éveil de l'artiste ! La mutation achevée, c'est l'artiste libérée et transcendée qui porte son œuvre au pinacle en se débarrassant des limites qu'impose sa personne sociale dans une danse noire envoutante et pénétrante. C'est comme la concrétisation du rêve légendaire des artistes les plus pulsionnels, et souvent les meilleurs : une vie vouée à leur art, une vie voué à une œuvre. Le plus grand des sacrifices pour l'éternité d'un moment. La vie de Nina n'a durée que le temps d'un battement d'aile d'un cygne noir.

  La comparaison avec Requiem for a dream est alors intéressante car les 30 dernières minutes a priori comparables n'ont pas la même vocation. Les deux films se terminent par une sorte de spirale cauchemardesque éreintante, complètement transie par une utilisation géniale de la musique de Mansell et une mise en scène agressive, vive et au rythme éprouvant. Dans Black Swan on contemple la destruction du personnage auquel on s'était identifié, en fait Aronofsky nous montre notre propre mort, c'est peut être ce processus qui s'élabore tout au long du film qui fait que l'impact de la fin du film est apocalyptique, presque insupportable. Mais là où Requiem for a dream fait de la mort l'aboutissement d'une destruction entamée en amont par l'addiction et entièrement subie, Black Swan évoque la mort comme un souhait, un repos mérité après le sacrifice d'une vie. Ainsi en étant très proches les deux films se révèlent tout à fait différents, mais leur comparaison que l'on trouve à peu près dans toute analyse de black Swan prouve qu'il a bien une marque Aronofsky, qui s'emploi toujours à faire du cinéma une expérience sensitive qui dépasse le simple cadre de son sujet pour lui donner une vérité plus universelle, un gage de puissance indéniable.

  Que reste t-il à dire de ce magnifique film ? Peut être qu'il est inclassable, d'une esthétique fabuleuse jusque dans ses traits les plus sophistiqués et caricaturaux, Black Swan est la consécration absolu de Darren Aronofsky comme le réalisateur qui avec une œuvre si achevée aura filmé la passion dans sa forme la plus pure, dans ces élans de grâce comme dans ces excès de rage, celle qui sublime tout autant qu'elle le ravage. D'une frénésie complètement déroutante que magnifie le génial compositeur russe, Black Swan est le cinéma dans ce qu'il a de plus absolu et de plus étourdissant, un moment exquis qui grâce à une interaction jamais vue avec son public se fait la métaphore de ce que devrait toujours être l'art, et donc le cinéma.